Wie hart kann Kunst sein? Braucht KI eine Therapie? Und andere Gedanken in der Luft beim London Gallery Weekend

Die Londoner Kunstszene versucht, sich im Vorfeld der Art Basel einen Moment zur Jahresmitte zu schaffen.

Naomi Rea, 5. Juni 2023

Im Groucho, einem privaten Mitgliederclub in Soho, der seit den 1980er-Jahren eine Schar von Kreativ- und Medienschaffenden anzieht und der seit seiner Übernahme im letzten Jahr eine Art Wiederbelebung der Kunstszene erlebt hat, waren die Böden etwas klebrig der Hospitality-Arm der Schweizer Galeristen hinter Hauser und Wirth. Die Eröffnungsparty für das London Gallery Weekend entsprach nicht ganz den Szenen in der Innenstadt von New York, die der Schriftsteller und Warhol-Mitarbeiter Bob Colacello (zu sehen bei Thaddaeus Ropac) fotografiert hatte – aber dennoch genossen eine Gruppe schöner Menschen zusammen mit aufstrebenden Malern, darunter Sasha Gordon, Sommerspritzer und Joy Labinjo.

Für engagierte Kunstmäzene stellt das aufstrebende Galerienwochenende in London eine nahezu unmögliche Aufgabe dar. Die weitläufige Geografie der Stadt und die rund 150 teilnehmenden Galerien machen sie deutlich weniger überschaubar als beispielsweise ihr Gegenstück in Berlin. Zwischen Ausstellungen, Eröffnungspartys und Abendessen gibt es vielleicht zu viel Konkurrenz um Ihre Aufmerksamkeit.

Joy Labinjo und Precious Adesina nehmen am 1. Juni 2023 an der Wochenend-Eröffnungsparty der Frieze 91 x London Gallery zur Feier der Londoner Kreativszene im Groucho Club in London, England, teil. (Foto von Dave Benett/Getty Images für London Gallery Weekend x Frieze)

Aber London braucht das. Für die Galerien war es hier schwieriger, sich von der Pandemie zu erholen als in anderen Zentren. Zu diesen Schwierigkeiten kamen noch die logistischen Hürden und die schlechte Stimmung im Zusammenhang mit dem Brexit hinzu, und selbst das geschah, bevor explodierende Inflationsraten und allgemeine Unsicherheit die Kunstwelt einzuholen begannen. Da der Markt stark von Verkäufen außerhalb des Landes abhängig ist und die Konkurrenz aus Paris in letzter Zeit stark an Bedeutung gewonnen hat, steht bei dieser Veranstaltung viel auf dem Spiel. Es muss Käufer aus dem In- und Ausland begeistern und außerhalb der Frieze Week im Oktober einen Mid-Year-Moment im Kalender der Stadt schaffen.

Was hat Londons Kunstlandschaft also zu bieten? Hier sind einige Fragen, die vor dem Marathonwochenende im Umlauf waren.

Installationsansicht von „To Bend the Ear of the Outer World: Conversations on Contemporary Abstract Painting“ bei Gagoian in London, geöffnet bis 25. August 2023. Foto mit freundlicher Genehmigung von Gagosian.

Seit dem Aufkommen der abstrakten Malerei im frühen 20. Jahrhundert schwankt die öffentliche Aufmerksamkeit hin und wieder zwischen der Liebe zur Abstraktion und zur Figuration. Ab sofort, Anfang/Mitte 2023, genießt die trendige figurative Malerei einen gesunden Moment im Rampenlicht. Doch eine riesige Ausstellung von 40 lebenden abstrakten Malern im Gagosian warf die Frage auf, ob wir uns mitten in einem Pendelschwung zurück in die andere Richtung befinden. „Ich denke, beides hat parallel existiert“, sagte mir Kurator Gary Garrels bei der Eröffnung von „To Bend the Ear of the Outer World“.

„Figurative Arbeiten haben in den letzten Jahren große öffentliche Aufmerksamkeit erhalten, und ich habe gespürt, dass es ebenso viele gute, interessante Arbeiten gibt, die abstrakt sind, und das wollte ich daher in den Vordergrund stellen“, fügte Garrels hinzu.

Die Ausstellung war vollgestopft mit den Stars der zeitgenössischen Abstraktion. Selbst zwischen herausragenden Werken von Gerhard Richter, Cecily Brown und Frank Bowling und Werken jüngerer Superstars wie Jadé Fadojutimi können Sie einige herausragende Werke von Künstlern entdecken, die in letzter Zeit weniger Sendezeit hatten. Darunter befanden sich ein Gemälde von Jacqueline Humphries, das etwas vom ablenkenden Lärm des modernen Lebens einfängt, und ein meditativer Moment der Ruhe, den Jennie C. Jones bot.

Installationsansicht, Jacqueline Humphries bei Modern Art. Foto von Michael Brzezinski.

Wenn wir aus der Pandemie herauskommen und wieder persönlich zu den Ereignissen zurückkehren, besteht sicherlich ein Appetit auf die Materialität der abstrakten Malerei. Das Medium bietet keine einfachen Erzählstränge und daher erfordert seine Kraft eine direkte Betrachtung, um den Maßstab, die Farbe, die Textur, die Oberfläche und die ausgeführten Gesten zu erfassen. Aber was sind die charakteristischen Merkmale der heutigen abstrakten Malerei?

„Ich denke, es geht um die Stärke des Einzelnen, die Bestätigung der individuellen Identität und Vorstellungskraft“, sagte Garrels. „Es gibt keinen Schlitz, keine Kiste, in die jeder hineinpassen möchte. Es gibt keine Bewegung. Es ist kein abstrakter Expressionismus, es ist keine Pop-Art, es ist kein Farbfeld … Es geht nur darum, dass Individuen die Stärke ihrer eigenen Überzeugungen haben.“

Jacqueline Humphries erhält von Modern Art auch Einzelimmobilien in beiden Räumen. Ihre wissenswerten Leinwände bauen auf der Geschichte der abstrakten Malerei auf und bereichern sie mit digital-nativen Formen und Gesten. Eine Reihe von „vor Vandalismus befallenen“ Gemälden tragen Markierungen, die an Jackson Pollock erinnern, aber auch die politische Bedeutung dieser Art von Markierungen heute verstehen, indem sie insbesondere auf Maßnahmen von Klimaaktivisten verweisen, die verzweifelt versuchen, die Aufmerksamkeit der Medien zu erregen, indem sie Substanzen auf Gemälde in Museen schleudern. Im Katalogtext zur Gagosian-Ausstellung erinnert uns Humphries daran, dass Abstraktion die Vorstellung ist, dass „vielleicht man den ‚echten‘ Effekt ohne die Vermittlung dargestellter ‚Dinge‘ steigern kann.“ Ihre überzeugenden Aussagen, angewendet auf schwindelerregende, statische Oberflächen, wirken immer noch blitzschnell -Tage später brannte es auf meiner Netzhaut.

Installationsansicht, „Hardcore“, Sadie Coles HQ, London, 25. Mai 2023 – 5. August 2023. Bildnachweis: © The Artist/s. Mit freundlicher Genehmigung von The Artist/s und Sadie Coles HQ, London. Foto: Katie Morrison / Sadie Coles HQ, London.

Viele von uns spüren seit mehreren Jahren weiterhin die Folgewirkungen der physischen Isolation, und Veranstaltungen und Eröffnungen fühlen sich immer noch nicht ganz „wieder normal“ an. Am Wochenende wurde ich Zeuge vieler unangenehmer Tänze, bei denen die Leute versuchten, anhand ihrer Mikroausdrücke zu erkennen, ob ein Händedruck oder – Gott bewahre! – ein Luftkuss zulässige Begrüßungsformen waren. Hinzu kommen die Auswirkungen unseres Online-Massenrückzugs und der damit einhergehende weitere Zerfall unseres gemeinsamen Realitätssinns. Viele Menschen haben den Lockdown hinter sich gelassen, weil sie die gesellschaftspolitische Isolation verinnerlicht haben, die lange vor der Pandemie begann und über die man sich polarisiert hat auf beiden Seiten der Too-Woke- und Anti-Woke-Kluft. Deshalb war ich auf der Suche nach Themen wie körperlicher Intimität, Gesprächen über die Abbruchkultur und dem Wunsch nach Nuancen.

Und Junge, habe ich sie im Hauptquartier von Sadie Coles gefunden? Eine herausfordernde Gruppenausstellung mit dem Titel „Hardcore“, an der 18 Künstler teilnahmen, erkundete Themen der Sexualität an sich, völlig gleichgültig gegenüber gesellschaftlichen Regeln. Wie Herrin Rebecca, die Domina, die den kuratorischen Text für die Show geschrieben hat, es ausdrückte: „Ein Hardcore lehnt Feinheiten ab, weil Hardcore zu sein bedeutet, niemals in die sicheren und einfachen Parameter von richtig oder falsch zu verfallen. Heutzutage scheint dies eine unnötige Seltenheit zu sein.“ , sogar mutige Position einnehmen.“

Königskobra/ Doreen Lynette Garner, Im Fest der Schweine (2022). ©KING COBRA (dokumentiert als Doreen Lynette Garner). Mit freundlicher Genehmigung von The Artist und JTT, New York. Foto: Katie Morrison / Sadie Coles HQ, London.

Verschiedene Personen, die sich durch die Show bewegen, finden ihre herausfordernde Linie möglicherweise an unterschiedlichen Stellen. Für mich fühlten sich Monica Bonvicinis Peitsche aus anschnallbaren Ledergürteln, die in sanften Kreisen schwingen, oder Joan Semmels Gemälde „Für Fußfetischisten“ von 1977 zahm an, aber mit Darja Bajagićs „Ex Axes“, die Bilder von „Frauen mit Waffen“-Fetischseiten zurückeroberten, ging es noch mehr zur Sache und der abgeschlachtete Kadaver von King Cobra/Doreen Lynette Garner, komplett mit einem blutbefleckten blonden Zopf. Die Ankunft bei Miriam Cahns fleischbild/famillienbild (Fleischporträt/Familienporträt) aus dem Jahr 2017 würde selbst den sexuell befreitesten Menschen ein Zucken hervorrufen; Es zeigt ein Paar beim energischen Geschlechtsverkehr, während sich im Vordergrund eine kleine, kindliche Figur abwendet. Insbesondere Cahns Arbeiten, deren jüngste Ausstellung im Palais de Tokyo in Frankreich einen Sturm der Kontroversen auslöste, scheinen auf Messers Schneide dessen zu stehen, was heute gesellschaftlich akzeptabel sein kann.

Miriam Cahn, fleischbild/famillienbild (2017). ©Miriam Cahn. Courtesy of The Artist and Meyer Riegger, Berlin/Karlsruhe.Photo: Katie Morrison / Sadie Coles HQ, London.

Weiteres Leder findet sich in den Lisa-Marie Harris-Skulpturen und Wandreliefs in der Cooke Latham Gallery, die auf Körperbeschämungen und sexuell objektivierende Kommentare reagieren, die die Künstlerin im Laufe der Jahre erhalten hat, und sich auf die Polizeiarbeit und die überaus wachsame Überwachung äußern des weiblichen Körpers als Reaktion auf sexuelle Gewalt gegen Frauen. An anderer Stelle, bei Stephen Friedman, erforschen Sasha Gordons surreale Selbstporträts – darunter Bilder von sich selbst als lebendes Formgehölz und als Katze – die Entfremdung unkonventioneller menschlicher Körper und Fragen ihrer Identität als queere asiatisch-amerikanische Frau in einer Ausstellung mit dem Titel „The Flesh“. Verschwindet, schmerzt aber weiterhin.“

Die gigantischen Fortschritte in der Entwicklung der KI haben den Ton der Kunst-Tech-Diskussion auf einen Höhepunkt gebracht; Technologen schlagen Alarm wegen der Bedrohung, die KI für die menschliche Existenz selbst darstellt. Doch schon vor dieser jüngsten Wende im Diskurs boten die destabilisierenden Auswirkungen des Internets und seiner Flut an Informationen und Ablenkungen den Künstlern reichlich Arbeitsmaterial.

Im Hauptquartier von Sadie Coles in der Davies Street entlarvt Lawrence Leks äußerst vorausschauender Film „Black Cloud Highway 黑云高速公路“ den Mythos des technologischen Fortschritts im Zeitalter der künstlichen Intelligenz. Leks bezaubernder 11-minütiger Film Black Cloud folgt einer einsamen Überwachungs-KI in einer verlassenen Stadt – SimBeijing, einer Nachbildung der chinesischen Hauptstadt, die von einem Technologieunternehmen gebaut wurde, um selbstfahrende Autos auf der Straße zu testen. Es meldet Unfälle, bis alle anderen KIs verbannt sind und es in der Metropole allein bleibt. Anschließend wird ein Selbsthilfetherapieprogramm in Anspruch genommen, um bei der Bewältigung zu helfen. Die Aura der Posthumanität erfüllt den Betrachter mit der Angst, dass wir uns am Abgrund eines Abgrunds befinden, ein Gefühl, das durch einen mitreißenden Soundtrack von Lek und Kode9 unterstützt wird.

Lawrence Lek, Black Cloud 黑云 [Filmstill] (2021). ©Lawrence Lek, mit freundlicher Genehmigung von Sadie Coles HQ, London.

Im Gazelli Art House unterbricht Jake Elwes‘ Erforschung von KI und maschinellem Lernen „Zizi – Queering the Dataset“ die standardisierte Gesichtserkennungstechnologie, indem er ihr Tausende von Bildern von Drag-Darstellern zuführt. Und Machine Learning Porn (2016) enthüllt das verzerrte Verständnis der menschlichen Biologie durch einen Algorithmus, der darauf trainiert ist, explizite Bilder zu entfernen, indem er ihn mit der Erstellung pornografischer Bilder beauftragt.

Maisie Cousins, Green Head (2023). Foto mit freundlicher Genehmigung von TJ Boulting.

Was diese herausragenden Ausstellungen gemeinsam haben – die abstrakten Gemälde, die intellektuellen Provokationen, die technischen Experimente – ist, dass sie sich alle mit den spezifischen Schwierigkeiten des zeitgenössischen Lebens auseinandersetzen; die isolierende und beängstigende Gegenwart, die Ungewissheit über die Zukunft und die Unzulänglichkeit der Systeme, Formen, Sprachen, Regeln und sozialen Sitten, die uns zur Verfügung stehen, um auf diese existenzielle Übelkeit zu reagieren.

Viele dieser Werke haben einen Weg gefunden, dieses Gefühl auszudrücken und auch einen Weg durch dieses Gefühl vorzuschlagen. Sie drücken den Wunsch nach Nuancen aus, nach dem Queeren und Hinterfragen von Etiketten und Kästchen und danach, Raum für andere Denk-, Seins- und Sichtweisen zu öffnen, die undefiniert sind. Etwas, das Garrels in seiner Gagosian-Ausstellung über Abstraktion gesagt hat, lässt sich auf alle diese Werke übertragen: „Letztendlich sind es die Individuen, die dort zu ihren eigenen Bedingungen kämpfen und darum kämpfen, innerhalb dieser riesigen Flut an Informationen Sinn und Kohärenz zu finden.“

Javier Calleja, Still on Time (2023). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Almine Rech.

Die Hoffnung ist, dass die Kunst uns ein Gefühl des gemeinsamen Verständnisses über die Natur der Existenz, die Beharrlichkeit des menschlichen Geistes und die Art und Weise zurückbringt, wie wir diesen schwierigen Moment der Geschichte überstehen könnten.

Und wenn Ihnen das alles etwas überwältigend vorkommt, ist das London Gallery Weekend genau das Richtige für Sie. Wer etwas braucht, um all diese berauschenden Fragen zu lindern, könnte zu Almine Rech gehen, wo Javier Callejas bezaubernde Charaktere so etwas wie einen Palettenreiniger anbieten.

Aktie

Von Jo Lawson-Tancred, vor 2 Tagen