Das neue Kongresszentrum von Seattle bietet lokale Kunst im Wert von 7,75 Millionen US-Dollar

Eines der größten und teuersten Projekte in der Geschichte der Stadt rückt Werke der Nordwestindigenen in den Vordergrund.

Der Kunstinstallateur Roger Waterhouse von ArtSite installiert mit einem Kran „Mowitch Man“, eine von zwei Willkommensfiguren der Coast Salish, die die Künstlerin Andrea Wilbur-Sigo für das neue Seattle Convention Center Summit-Gebäude geschnitzt hat. (Jason Redmond für Crosscut)

An einem feuchten Morgen in der Innenstadt von Seattle hebt ein Auslegerkran einen 2.500 Pfund schweren Mann in die Luft.

„Er hat ein wenig zugenommen“, witzelt Andrea Wilbur-Sigo, als die Füße des Mannes über einem Betonsockel an der Kreuzung Pine Street und Ninth Avenue in der Nähe des Paramount Theatre baumeln. Wilbur-Sigo, ein bekannter lokaler Künstler und Mitglied des Stammes der Squaxin-Inseln, schnitzte „Mowitch Man“ aus einem 20 Fuß langen Baumstamm aus Western Red Cedar. Seine 1,50 Meter langen Arme, von denen einer ausgestreckt ist und der andere einen „Sprechstab“ hält, sind ein Neuzugang – daher die zusätzlichen Pfunde.

Breitschultrig und stämmig ist „Mowitch Man“ eine willkommene Figur, eine Art Statue, die traditionell von den Coast Salish hergestellt wird, um Besucher in ihr Territorium einzuladen. Während der Regen weiter fällt, deutet Wilbur-Sigo auf die Zedernhaut, die schwarzen Haare, den zinnoberroten Hut und die Insignien der Skulptur, die mit grauen Lachsemblemen im Salish-Stil verziert sind. „Er passt wirklich gut zum Gebäude“, sagt sie.

Ab dieser Woche wird Wilbur-Sigos „Mowitch Man“ die ersten Besucher in Seattles brandneuem und mit Spannung erwarteten Anbau an das Washington State Convention Center (umbenannt in Seattle Convention Center) begrüßen. Das als „Summit“ bezeichnete sechsstöckige Zentrum soll die physische und wirtschaftliche Präsenz des bestehenden Kongresszentrums erweitern.

Das von der lokalen Firma LMN Architects entworfene Projekt erstreckt sich über mehr als 500.000 Quadratmeter Tagungs- und Veranstaltungsfläche und kostet 2 Milliarden US-Dollar. Es ist eines der größten und teuersten in der Geschichte Seattles. Es wird zum großen Teil durch die Übernachtungssteuer von King County finanziert. (In den kommenden Jahren wird das Projekt das Kongresszentrum auch um fast eine Million Quadratmeter Wohn- und Bürofläche erweitern.)

Das mit Metall und Glas verkleidete Hochhaus wird diese Woche nach vier Jahren Bauzeit und mehr als einem Jahrzehnt Planung mit einer Zeremonie zum Durchschneiden des Bandes (25. Januar) und einem öffentlichen Tag der offenen Tür (27. Januar) eröffnet.

Das von LMN Architects entworfene Seattle Convention Center Summit Building befindet sich an der Kreuzung der Viertel Capitol Hill, First Hill und Downtown. Große Fenster bieten aus verschiedenen Blickwinkeln Ausblicke auf die Skyline der Stadt, eine Abkehr von der eher typischen „Closed-Box“-Architektur vieler Kongresszentren. „Sie wissen, dass Sie hier sind, wenn Sie auf einer Tagung in diesem Gebäude sind, nicht in Dallas oder wo auch immer“, sagt Kate Westbrook, Direktorin bei LMN Architects. „Du bist in Seattle und spürst diese Energie.“ (Mit freundlicher Genehmigung von Adam Hunter/LMN Architects)

Ob es das kostümierte Publikum ist, das zur Emerald City Comic Con strömt (erwartete Besucherzahl: 25.000), die Literaten, die an der AWP Conference & Bookfair teilnehmen (10.000) oder die Teilnehmer der Jahrestagung der Association of American Medical Colleges (4.000), einer der Das erste, was den Menschen begegnet, wenn sie sich dem Gebäude nähern, ist die Kunst des Nordwestens.

Von 16 Fuß hohen hölzernen Willkommensfiguren und originalen Bronzeskulpturen bis hin zu aufwendigen, lasergeschnittenen Garagentoren und anderen kreativen architektonischen Elementen – das Gebäude und seine Umgebung auf Straßenebene sind voller Kunst von fast zwei Dutzend, überwiegend lokalen Künstlern. Gesamtpreis: 7,75 Millionen US-Dollar.

Im Gegensatz zu den anderen Prozent-für-Kunst-Projekten in Seattle stammt die Finanzierung des öffentlichen Kunstprogramms des Seattle Convention Center nicht ausschließlich aus einem gesetzlich vorgeschriebenen Prozentsatz des Baubudgets. Vielmehr ist es Teil einer Reihe von Vereinbarungen mit der Stadt und dem Landkreis, die vorschreiben, dass das Kongresszentrum, ein selbstverwalteter Bezirk für öffentliche Einrichtungen, „öffentliche Vorteile“ wie bezahlbaren Wohnraum und öffentliche Kunst bereitstellt.

Aber die Kunst ist aus einem weiteren Grund da, sagt Cath Brunner, die Kunstberaterin des Kongresszentrums: um das Beste des Nordwestens und die Vielfalt seiner Gemeinden und Naturschönheiten zu präsentieren. Als Teil des übergeordneten Plans, dem Gebäude ein starkes Ortsgefühl zu verleihen, wird ein großer Teil der Kunstwerke von indigenen Künstlern geschaffen und befasst sich mit der Geschichte des Landes, auf dem das Gebäude steht.

„Ich denke, es ist sehr spezifisch für unseren Ort“, sagt Brunner über das Design des Kongresszentrums. „Man hat wirklich das Gefühl, in der Stadt zu sein. Und das wollten wir auch mit der Kunst erreichen. Man spürt wirklich das Gefühl des Ortes und warum wir ihn alle für etwas ganz Besonderes halten.“

Eine Sandsteinskulptur mit zeitgenössischen Petroglyphen der Künstlerin Malynn Foster steht am Mittwoch, den 18. Januar 2023, inmitten einheimischer Pflanzungen im pazifischen Nordwesten am Eingang des neuen Seattle Convention Center Summit-Gebäudes. (Jason Redmond für Crosscut)

An diesem Tag, eine Woche vor der Banddurchtrennung, bewegen sich Bauarbeiter in gelben Westen im und um das Gebäude herum und arbeiten noch an den Entwurfsdetails. Noch sind nicht alle Kunstwerke vorhanden; Sie werden in den kommenden Monaten weiterhin installiert. Aber es gibt genug Kunst für eine Tour mit Brunner, zu der wir uns gerade dann aufmachen, wenn der Regen nachlässt.

Auf dem öffentlichen Platz steht Wilbur-Sigos „Mowitch Man“ nun fest auf seinem Sockel. Der Regen hat den frischen, holzigen Duft der Kiefern geweckt, die als Terrassendielen und Plattformen auf dem Platz dienen und auch als Sitzgelegenheiten im Freien für Restaurants auf der Straßenebene des Kongresszentrums dienen werden. Wenn alle Kunstwerke installiert sind, werden dort auch vier Werke lokaler indigener Künstler, allesamt Frauen, zu sehen sein.

In Zusammenarbeit mit den Künstlern/Kuratoren Norie Sato und Asia Tail stellte sich Brunner die Kunst auf diesem öffentlichen Platz als visuelle Form der Anerkennung des Landes vor. „Sie haben also keinen Zweifel daran, dass wir uns auf indigenem Land befinden – den traditionellen Territorien des Volkes der Coast Salish“, sagt Brunner.

Obwohl diese Kunstwerke unterschiedlich sind, sind sie alle auf unterschiedliche Weise mit ihrer Umgebung verbunden. Wilbur-Sigos „Mowitch Man“ ist nach Westen ausgerichtet, die Pine Street hinunter in Richtung Elliott Bay. „Wir werden immer die Menschen des Wassers sein“, sagt Wilbur-Sigo. „Selbst wenn wir in einer Großstadt mit all diesen großen Gebäuden leben, sind wir immer noch Menschen des Wassers – das verbindet uns alle.“

Dieses Thema kehrt in We Are All Connected zurück, einer Reihe von Sandsteinblöcken, in die zeitgenössische Petroglyphen von Kojoten, Sternen, Donnervögeln und Geistern eingraviert sind. Die Steinskulpturen wurden von der lokalen Künstlerin Malynn Foster (Squaxin Island und Skokomish Nations) aus nordwestlichem Sandstein gefertigt, die sowohl mit traditionellen als auch pneumatischen Hämmern und Meißeln arbeitete. Sie stehen umgeben von einheimischen Pflanzen und einem Wäldchen mit Küstenkiefern in der brandneuen Landschaftsgestaltung.

Zwei Rückenflossen brechen aus einer der Steinskulpturen, die in der Nähe der Reihe schwerer Eingangstüren aufgestellt sind. Die Arbeit mit dem Titel „17 Days We Wake Up the World“ bezieht sich auf die 17 Tage, in denen der Orca Tahlequah ihr verstorbenes Kalb im Jahr 2018 durch die Gewässer des Salish-Meeres trug. Durch das Teilen von Tahlequahs Geschichte hofft Foster, die Welt zu den Auswirkungen aufzuwecken der schwindenden lokalen Lachspopulationen.

Andrea M. Wilbur-Sigo, eine renommierte lokale Künstlerin und Mitglied des Squaxin Island Tribe (links mit Schutzhelm) und Ehemann Steve Sigo umarmen sich, während Arbeiter „Mowitch Man“ installieren, eine der beiden Salish-Willkommensfiguren, für die Wilbur-Sigo geschnitzt hat die Erweiterung des Seattle Convention Center. (Jason Redmond für Crosscut)

Zu „Mowitch Man“ und Foster’s Boulders gesellen sich bald weitere Kunstwerke. Später in diesem Jahr wird die Treppe, die zur Pine Street führt, von einem skulpturalen Treppenhaus aus Cortenstahl umgeben sein, das von der lokalen Künstlerin und Architekturdesignerin Kimberly Deriana (Mandan und Hidatsa) in Form eines Lastkorbs entworfen wurde.

Bis Anfang März wird ein weiteres Kunstwerk auf dem Holzpodest neben der Treppe angebracht: vier Masken aus Gussbronze, Stahl und Gussglas. Die von Jennifer Angaiak Wood (Yup'ik) entworfenen Skulpturen sind eine Hommage an die Ureinwohnergruppen Alaskas und ihre Verbindungen zu den Stämmen des pazifischen Nordwestens. „Ich wollte versuchen, einen öffentlichen Raum zu indigenisieren, nicht nur mit Kunstwerken, sondern auch mit dem Verständnis, dass diese Stücke wahrscheinlich berührt werden“, schrieb Wood in einer E-Mail. „Historisch gesehen sind Masken dazu gedacht, gehandhabt zu werden.“

Die Masken des Convention Centers sind Woods erstes großes öffentliches Kunstwerk. „Ich denke, einer der besonderssten Aspekte des Auswahlverfahrens für dieses Projekt besteht darin, dass die zur Bewerbung eingeladenen Künstler keine Erfahrung mit öffentlicher Kunst haben mussten“, bemerkte Wood in ihrer E-Mail. „Anstatt mangelnde Erfahrung als Grund für den Ausschluss eines Künstlers zu sehen, haben das Kunstkomitee und der Koordinator große Anstrengungen unternommen, um jeden von uns zu ermutigen, die Erfahrung anzunehmen.“

Von der Künstlerin Andrea Wilbur-Sigo geschnitzte Salish-Figuren begrüßen Besucher im neuen Seattle Convention Center Summit-Gebäude gegenüber dem Paramount Theatre. (Jason Redmond für Crosscut)

Wood ist nicht allein: Viele der Künstler des Convention Centers hatten noch nie zuvor ein großes öffentliches Projekt durchgeführt – und jetzt werden ihre Arbeiten jeden Monat von Tausenden von Besuchern gesehen.

Es sei Absicht gewesen, sicherzustellen, dass erstmalige öffentliche Künstler das Gefühl haben, technisch und finanziell unterstützt zu werden, sagt Brunner. Dieser Ansatz führte zu einem hohen Prozentsatz erstmaliger öffentlicher Projekte sowie zu einer vielfältigen Gruppe von Künstlern, von denen die meisten farbige Menschen sind.

Eine weitere Möglichkeit, erstmalig öffentlich auftretende Künstler davon zu überzeugen, ihren Hut in den Ring zu werfen, besteht darin, Einreichungen für 2D-Kunstwerke zu eröffnen. Für Maler und Fotografen bedeutete das, dass ihre Arbeiten digitalisiert und dann auf Tafeln gedruckt werden konnten, die Teil der Architektur wurden.

In Zusammenarbeit mit den Architekten beauftragte das Kunstteam vier lokale Künstler – Satpreet Kahlon, Ulises Mariscal, Maki Tamura und Robert Hardgrave – mit der Erstellung einer Reihe von Kunsttafeln zur Verkleidung von Innen- und Außenwänden auf Straßenebene. Diese langlebigen, pulverbeschichteten Aluminiumplatten sind so konzipiert, dass sie der Zeit (und dem Regen in Seattle) standhalten.

Andrea Wilbur-Sigos „Mowitch Man“ hält einen „sprechenden Stock“ in der Hand und heißt Besucher im neuen Erweiterungsbau des Kongresszentrums in Seattle willkommen. Er hat auch ein offenes Ohr für alle, die etwas loswerden oder gute Nachrichten überbringen müssen, sagt Wilbur-Sigo. „Du hast einen schlechten Tag? Setz dich einfach zu ihnen“, sagt sie über ihre Willkommensfiguren. „Denken Sie nach. Reden Sie, wenn Sie müssen. Sie werden alles Schlechte oder Gute nehmen und … hoffentlich an einem Ort zurücklassen, an dem Sie mit einem guten Gefühl weggehen.“ (Jason Redmond für Crosscut)

Tamura und Hardgrave entschieden sich jeweils dafür, der Energie Seattles zu huldigen. Während Hardgrave die „Vitalität der Stadt“ mit schwarzen und weißen Formen in seinem charakteristischen neo-naiven Collagenstil darstellt, sind Tamuras Tafeln ausschließlich farbig: Rote Bänder fallen von einem Himmel voller Aquarellstreifen und Flecken in Lila, Gelb und Blau. Eine Reihe mittelalterlicher Figuren kämpfen, fliegen und springen und erzeugen eine fröhliche und kaleidoskopische Zirkusatmosphäre.

„Meine Inspiration kam direkt aus alltäglichen Erlebnissen – vom Capitol Hill in die Innenstadt zu laufen, durch den geschäftigen Verkehr zu schlendern, Freude an den Farben des Himmels und des Wassers zu finden, einen Blick in lustige Geschäfte und öffentliche Kunst zu werfen, die im gesamten Stadtkern verstreut sind“, schrieb Tamura eine E-Mail. „Ich habe auf meine Erinnerungen und Erfahrungen aus dem Leben in Seattle zurückgegriffen, das nicht nur grau und regnerisch ist!“

Der lokale Künstler Ulises Mariscal stützte seine Kunstwerke im Seattle Convention Center auf Fotos der Baustelle, als sie noch im Bau war. (Jason Redmond für Crosscut)

Ulises Mariscal greift ebenfalls auf die Vergangenheit zurück und würdigt mit seinen Tafeln die Zeit, als der Gipfel nur ein mit Kränen übersäter Baukrater war. Mariscal machte Fotos von der Baustelle, während Arbeiter Beton gossen und die Fundamente errichteten. Anschließend ordnete er diese Fotos zu einer Schwarz-Weiß-Collage um, die er mit bunten Linien übermalte, die an den früheren Status des Ortes als U-Bahn-Busknotenpunkt erinnern.

„Ich finde es schön zu sehen, wie all diese Bauarbeiter von überall her zusammenkommen, um etwas Sinnvolles und Wichtiges zu schaffen“, sagt Mariscal, die vor 16 Jahren aus Mexiko hierher eingewandert ist.

Das vierte metallverkleidete Kunstwerk erstreckt sich über eine ganze Wand in einer weiteren Eingangshalle. Wenn wir durch die Türen blicken, sehen wir, wie die Wand in herrlichen Lila- und Blautönen leuchtet – das BIV des ROYGBIV-Spektrums. Den Entwurf entwarf Satpreet Kahlon vor vier Jahren genau hier, als sie sich, während das Gebäude noch im Bau war, auf den Bürgersteig setzten, einen Scanner ohne Abdeckung öffneten und den Himmel scannten.

„Der Zweck dieser Übung bestand darin, eine bestimmte Qualität des Sonnenlichts einzufangen – die genaue Art und Weise, wie die Sonne diesen kleinen Fleck Erde und Land seit Jahrtausenden trifft“, schrieb Kahlon in einer Künstlererklärung.

Während wir unseren Rundgang rund um das Gebäude fortsetzen, stoßen wir auf eine Reihe von Kunstwerken, die Sie vielleicht zunächst übersehen würden. Als ovale Metallwandbehänge in die Fassade integriert und mit funktionalen Elementen wie drehbaren Sitzen und einem Garagentor ausgestattet, ist Walktic der lokalen Künstlerin Sheila Klein eins mit der städtischen Umgebung.

„Man muss beim Vorbeigehen aufpassen. Es entsteht ein optischer Effekt, der diese wie kinetische Skulpturen erscheinen lässt“, sagt Brunner. „Es ist ein Stück, das dazu gedacht ist, in Bewegung wahrgenommen zu werden.“ (Ich habe das getestet, indem ich eine kurze Strecke gelaufen bin, und sie werden lebendig, wie ein Vasarely-Gemälde.)

In manchen Fällen hängt das Betrachten der Kunst weniger von der eigenen Geschwindigkeit als vom mechanischen Timing ab. Basierend auf einer ihrer Papierschnittzeichnungen entwarf die Künstlerin Lauren Iida ein Garagentor, das die Form eines wassergeschnittenen Stahlgitterwerks aus Blättern, Blumen, Muscheln und Tintenfischen, Fischen und Äpfeln annimmt. Aber dieser Schatz im pazifischen Nordwesten ist nur im geschlossenen Zustand vollständig sichtbar, also bereiten Sie sich auf eine Partie Guckuck vor.

Lokale Künstler reichten 2D-Kunstwerke ein, die in Form von Metallfliesen Teil der Architektur wurden. Hier sind von oben bis unten Werke von Robert Hardgrave, Maki Tamura und Ulises Mariscal abgebildet. (Mit freundlicher Genehmigung von Adam Hunter/LMN Architects)

Nur ein paar Meter westlich am Olive Way befindet sich der zweite Haupteingang des Gebäudes. Hier wartet eine weitere willkommene Figur auf uns: Wilbur-Sigos 16 Fuß großer „Creator“, eine schwangere Frau mit einem Baby auf dem Rücken. Zu sehen sind noch eine weitere Petroglyphenskulptur von Malynn Foster und eine großformatige Webarbeit der lokalen Künstlerin Danielle Morsette (Suquamish und Sto:lo) im Vestibül. Und bis zum Sommer wird es ein gemeinsames Kunstwerk aller fünf indigenen Künstler geben.

Wir betreten den düsteren Flur, der die beiden Eingänge verbindet. Sanfte Lichtkaskaden fallen aus dem Holzgitter-Kronleuchter. Der Kronleuchter trägt den Namen „A Place in the Woods“ und befindet sich irgendwo im Kontinuum zwischen Kunst und funktionalem Design. Er wurde von der Künstlerin Cathy McClure in Zusammenarbeit mit LMN entworfen. Fünfundvierzig strategisch platzierte perforierte Holzpaneele – deren Muster den Blättern, der Rinde und den Wurzeln von 13 einheimischen Bäumen im pazifischen Nordwesten nachempfunden sind, wie sie durch ein Mikroskop betrachtet werden – vermitteln den Eindruck, als würde die Sonne durch ein Baumdach fallen.

Wenn Sie von den Stockwerken auf Straßenniveau nach oben gehen, werden Sie weniger Kunstwerke finden; Die Designer wollten mehr leere Wände für die eigene Beschilderung und Präsentation der Kongressgäste lassen. Aber die Verwendung von lokalem Holz wie Madrona (in der riesigen Treppe, die sich durch das Gebäude windet), wiedergewonnenem „Wermut“ und anderen Details unterstreicht den PNW-Punkt weiterhin.

Die vom lokalen Designbüro Studio Matthews entworfene Beschilderung des Summit erinnert an die lokale Geschichte. Die Stockwerksnummern sind mit PNW-Überlieferungen gefüllt, beispielsweise mit Grunge-Kassetten (siehe: Nirvana) oder genieteten Metallblechen (siehe: Boeing). (Jason Redmond für Crosscut)

In einer riesigen Halle im vierten Stock des neuen Seattle Convention Center Summit-Gebäudes sind Kassetten mit Musikern aus dem Nordwesten zu sehen. (Jason Redmond für Crosscut)

Die Installation „A Place in the Woods“ von Cathy McClure in Zusammenarbeit mit LMN Architects verbindet die Haupteingänge des neuen Kongresszentrums. (Jason Redmond für Crosscut)

Treppen aus Madrona-Holz reichen bis zur Spitze des neuen Convention Center-Gebäudes und dienen als Sitzgelegenheiten, von denen aus Besucher die Skyline von Seattle und in der Ferne die Uferpromenade bewundern können. (Jason Redmond für Crosscut)

Dennoch sind hier vor allem die Skyline und in der Ferne die natürliche Schönheit der Berge und des Wassers, die durch die vielen Fenster sichtbar sind, der Blickfang.

„Eine der magischen Qualitäten dieses Gebäudes besteht darin, dass man Einblicke und Einblicke erhält und wie man sich durch das Gebäude bewegt, fast wie auf einer sich entfaltenden Reise; man sieht etwas aus der Ferne und dann sieht man es aus der Nähe“, sagt Brunner, als wir auf ein Gebäude zugehen Plattform, eingerahmt von hohen Fenstern nach Westen.

In diesem Moment gehen die Lichter des ikonischen Festzelts und der vertikalen Leuchtreklame des Paramount an, die von innen durch die Fenster sichtbar sind, während sich der Nachmittagshimmel zu verdunkeln beginnt.

Bis Ende des Jahres wird hier eine neue Skulptur des Seattler Künstlers Dan Webb stehen, mit Blick auf das Pike Place Market-Schild und etwas weiter entfernt auf den Puget Sound. Das passt: Webbs Skulptur lässt sich von Seattles ikonischen Zelten und Schildern inspirieren, etwa denen des Pike Place Market und der Elephant Car Wash.

Webbs 20 Fuß hohes Buntglasfenster wird die Form einer zeigenden Hand und einer Bank annehmen. In Anlehnung an das Material der nahegelegenen Treppe schnitzt Webb die Hand aus lokalem Madrona-Holz.

„Die Arbeit, die ich mache, hat wirklich auf die Menschen, das Wasser, die Bäume und die Kultur des Nordwestens reagiert“, schrieb Webb in einer E-Mail, „und das gilt auch für das Kongresszentrum [Kunstwerk].“ Er nennt es „Right Here“.

Diese Geschichte wurde aktualisiert, um die Finanzierungsquelle für die Erweiterung des Kongresszentrums zu verdeutlichen, die zu einem großen Teil aus der Übernachtungssteuer von King County stammt.

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