Kunstkritik: „Der junge Picasso in Paris“ im Guggenheim

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Eine kleine, exquisite Ausstellung im Guggenheim zeigt, wie die Stadt des Lichts den 19-jährigen spanischen Künstler verwandelte. Ein Gemälde sagt alles.

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Von Roberta Smith

Manche Feierlichkeiten sind vorübergehend, andere bringen dauerhafte, greifbare Ergebnisse. Mit „Der junge Picasso in Paris“, einem kleinen Ausstellungsjuwel, bietet das Guggenheim Museum beides.

Organisiert von Megan Fontanella, der Guggenheim-Kuratorin für moderne Kunst und Provenienz, ist diese Ausstellung eine von über 30, die in europäischen und amerikanischen Museen im Rahmen der „Picasso Celebration: 1973–2023“ gezeigt werden, die seit 1973 vom Musée Picasso-Paris geleitet wird anlässlich des 50. Todestages des Künstlers. Der Punkt scheint zu sein, dass das Vermächtnis des größten Künstlers des 20. Jahrhunderts auch im halben Jahrhundert seitdem ungebrochen ist, weiterhin neue Generationen von Künstlern beeinflusst und immer noch Geheimnisse birgt, die von Wissenschaftlern und neuen Technologien entdeckt werden müssen.

Die Guggenheim-Show erfüllt alle diese Kriterien. Das Museum hat die Feierlichkeiten zum Anstoß genommen, die (2018 begonnene) Analyse fortzusetzen und die Konservierung seines bekanntesten und beliebtesten Picasso-Gemäldes, „Le Moulin de la Galette“ aus dem Jahr 1900, in Angriff zu nehmen und dieses betörende, subtil aufgefrischtes Werk das Herzstück von „Young Picasso“.

Wie Picasso zeigt, besitzt es eine unverwechselbare Leichtigkeit. Zum einen enthält es nur 10 Werke. Aber es ist auch entlastet von der bedrückend unvergesslichen, oft verstörenden Lebensgeschichte des Künstlers, von der es bisher noch nicht viel gab. Es zeigt uns Picasso, bevor er Picasso war, was im Wesentlichen Picasso war, bevor er Paris kannte.

Er war mit seinem Freund, dem spanischen Dichter und Maler Carles Casagemas, mit dem Zug von Barcelona dorthin gereist, um die Weltausstellung zu besuchen, die sich ihrem Ende näherte. Er wollte ein Gemälde von ihm im spanischen Pavillon hängen sehen. Dabei handelte es sich um „Last Moments“ aus dem Jahr 1898, das er 1903 als „La Vie“ ummalte, einem Höhepunkt seiner Blauen Periode.

Aber Picassos größere Mission bestand darin, Paris – die Hauptstadt des 19. Jahrhunderts in Walter Benjamins Worten – einzuatmen und einen Crashkurs in moderner französischer Malerei zu absolvieren. Während des Besuchs arbeitete er hart in Ateliers, die er mit anderen Künstlern und oft auch deren Modellen teilte. Und er probierte unersättlich alles aus, was die Stadt als erschreckend talentierter, ehrgeiziger, neugieriger, geselliger und doch provinzieller junger Künstler zu bieten hatte. Er besuchte Museen, um ältere Kunst zu sehen, und Galerien, um das Neueste zu sehen. Er nahm am glamourösen Nachtleben der Boheme in Cafés, Kabaretts und Tanzlokalen teil, von denen „Le Moulin de la Galette“ das berühmteste war.

Und er lernte Menschen kennen, zunächst spanische Künstler und Schriftsteller, von denen er einige in Barcelona kennengelernt hatte, und einen immer größer werdenden Kreis von Parisern, während er Französisch lernte.

Im Guggenheim nimmt „Le Moulin de la Galette“ in einer großen Galerie, die in einem (von der Temperatur) leicht kühlen Dunkelblau gestrichen ist, den Ehrenplatz ein. Diese verführerische Weitwinkelansicht thront in herrlicher Einsamkeit von einer der längsten Wände aus und zeigt einen Tanzsaal voller wunderschöner Menschen – elegant gekleidete Frauen und Männer mit Zylindern – die tanzen, trinken und Höflichkeiten oder Klatsch austauschen, während ihre Augen schweifen weg, vielleicht auf der Suche nach dem eigentlichen Diskussionsthema. Es ist relativ ruhig – Picasso würde auch Cancan-Tänzer malen, aber nicht jetzt – eine höfliche, kultivierte Menschenmenge, gemalt von einem Künstler, der ihre Moden, Körpersprache und zwischenmenschlichen Verbindungen perfekt verstand.

Es zeigt ihn auch, wie er über die Malstile seiner Vorfahren nachdenkt – insbesondere Renoir, Toulouse-Lautrec und des in der Schweiz geborenen Illustrators Théophile Steinlen. Ich könnte eine Suppe aus Seurat hinzufügen, um den sanften, unaufgeregten klassischen Formen der Kundschaft des Tanzlokals Rechnung zu tragen.

Die vorherrschende Dunkelheit, in der sich die schwarzen Mäntel der Männer mit den dezenten Farben und Stoffen der Damengewänder abwechseln, hat etwas mit Picassos Liebe zu Velázquez und Goya zu tun. Aber die Farben, die aus seinen Schatten erblühen, werden in mehreren anderen Gemälden heller: im groben Pointillismus von „Frau im Profil“ und „Kurtisane mit Hut“ und in den flachen Farben von „The Diners“ – insbesondere auf der roten Bankette, auf der die unpassendes Paar sitzt. In der Parade von „Der 14. Juli“ – dem einzigen Blick auf das Tageslicht hier – deuten die hin- und hergeworfenen roten, weißen und blauen Striche auf einen wütenden Impressionismus hin.

Die Vollständigkeit und Komplexität – der erstaunliche Wachstumsschub – von „Le Moulin de la Galette“ ist nicht zu unterschätzen. Es ist eines der ersten Gemälde, die Picasso in Paris fertigstellte – das Meisterwerk dieser ersten zweimonatigen transformativen Immersion. Es war auch der erste Picasso, der in eine französische Sammlung gelangte und schnell über die Kunsthändlerin Berthe Weill – deren Rolle bei der Entdeckung Picassos oft übersehen wird – an den fortschrittlichen Verleger und Sammler Arthur Huc verkauft wurde.

„Le Moulin de la Galette“ ist seit November 2021 nicht mehr zu sehen. Die sorgfältige Konservierung wurde von Julie Barten, der leitenden Gemäldekonservatorin des Museums, mit Unterstützung von Fontanella geleitet. Ähnlich wie bei Ärzten besteht der Eid des Restaurators darin, keinen Schaden anzurichten, oder genauer gesagt, nichts, was nicht rückgängig gemacht werden kann. Sie initiieren ein Projekt erst, nachdem sie auf der Grundlage von Gesprächen mit Kollegen – Kunsthistorikern, Kuratoren und Restauratoren ihres eigenen und anderer Museen – einen Konsens erzielt haben.

In mehr als einer Hinsicht müssen all diese Gespräche einige der inhärent einsamen, nervenaufreibenden und handwerklichen Aspekte der Aufgabe des Restaurators ausgleichen. Und so wagte sich Barten an die sorgfältige Reinigung der Gemäldeoberfläche, indem er mit Watte und angefeuchtetem Papier eine Schmutzschicht und dann eine Schicht vergilbten Lacks entfernte, der vor Jahrzehnten aufgetragen worden war, wenn auch sicher nicht von Picasso.

Ein wachsender Bestandteil der Konservierung ist die Sammlung und Analyse von Daten durch Forscher mithilfe leistungsstarker Instrumente, in der Regel als Antwort auf spezifische Fragen von Restauratoren. In diesem Fall kam wesentliche Hilfe von Wissenschaftlern des Metropolitan Museum of Art und der National Gallery of Art.

Im Allgemeinen haben diese gemeinsamen Anstrengungen die Oberfläche des Gemäldes gereinigt, seine Farben und den Glanz des Gaslichts aufgehellt; erweiterte die Tiefe seines atmosphärischen Raums und machte bestimmte Formen – die Zylinder, die Karaffe und die Gläser auf dem Tisch – dimensionaler und enthüllte gleichzeitig einige der Veränderungen, die Picasso im Laufe seiner Arbeit vorgenommen hatte.

Einer davon ist der dunkle Stapel am unteren Rand des Gemäldes auf der linken Seite, der an Mäntel erinnert, die auf einem Stuhl am weiß gedeckten Tisch gestapelt sind. Darauf ruhte einst ein King-Charles-Spaniel mit kastanienbraunem Fell, der eine zinnoberrote Schleife trug und in unsere Richtung schaute. Am Tisch stand auch ein zweiter leerer Stuhl.

Einer der größten Momente der Schau ist eine kraftvolle Kohle- und Buntstiftzeichnung aus dem Jahr 1900 aus einer Privatsammlung in Europa, die hierzulande erstmals gezeigt wird. Es ist wie ein toller Schnappschuss, sozusagen ein Gruppen-Selfie, das zeigt, wie Picasso und seine Freunde sich überschwänglich von der Weltausstellung verabschieden. Mit verschränkten Armen neigen sich ihre Körper und Gliedmaßen und überlappen sich in verschiedenen Richtungen und Schwarztönen. Sie haben eine freudige Slapstick-Atmosphäre, entweder weil sie beschwipst sind oder vielleicht weil es aufregend ist, das Gemälde ihres jungen Freundes in Paris öffentlich zu sehen. Picassos Talent zur Karikatur zeigt sich im widerspenstigen Fries, der zappelnden Chorreihe der Kameraden. Der King-Charles-Spaniel im Vordergrund dieser Szene entging der Auslöschung.

Die Ausnahme von der Schwerpunktsetzung der Ausstellung auf das Pariser gesellschaftliche Leben und seine Stammgäste bilden zwei intensive Selbstporträts aus dem Jahr 1901, deren erste Monate Picasso in Madrid und dann in Barcelona verbrachte. (Er war zu Weihnachten in seinen Geburtsort Málaga zurückgekehrt, um zu sehen, ob ein Onkel seine Wehrpflichtbefreiung bezahlen könnte.) Das erste Selbstporträt könnte aus dieser Zeit stammen. Es zeigt einen Künstler, der seinen berühmten intensiven, brennenden Blick vor einem dunklen Hintergrund aus quasi-expressionistischen Pinselstrichen überbetont, der sein Gesicht mit einer blauen Aura umgibt.

Das zweite Selbstporträt stammt aus den letzten Monaten des Jahres 1901, nachdem er Mitte Mai nach Paris zurückgekehrt war, um sich auf sein erstes Pariser Solo in der Galerie von Ambroise Vollard vorzubereiten. Diese Dreiviertelansicht zeigt den Künstler, wie er seine kraftvolle Persönlichkeit einatmet. Es sind alles in sich geschlossene Bereiche: der flache blaue Hintergrund, der zur Wandfarbe der Ausstellung tendiert; sein blasser, etwas grimmiger, aber zögernder Gesichtsausdruck und der feste dunkle Teil seines Mantels. Er sieht ein bisschen aus wie ein Kapitän, der mit seinem Schiff untergeht.

Diese beiden Gemälde öffnen die Tür zur ersten Phase oder zum ersten Stil, den Picasso sein Eigen nennen könnte: seine Blaue Periode, die sich von den helleren Farben und Stimmungen seiner ersten Pariser Gemälde abwendet. Es führt einen originelleren figurativen Modus ein – trotz der Schulden gegenüber El Greco und dem Symbolismus – und wendet sich nach innen, hin zu Melancholie und Entbehrung, die Picassos angeborenes Temperament, seine anhaltende Armut und seine Trauer über den Tod seines Freundes Casagemas widerspiegelt, der 1990 in Paris Selbstmord beging Februar 1901, während sich der Künstler in Spanien aufhielt. Dieses eindringliche Selbstporträt lässt den Vorhang für Picassos ersten überschwänglichen Genuss der Stadt des Lichts fallen.

Der junge Picasso in Paris12. Mai bis 6. August Guggenheim Museum, 1071 Fifth Avenue, Manhattan, (212) 423-3500; guggenheim.org.

Roberta Smith, die Co-Chef-Kunstkritikerin, rezensiert regelmäßig Museumsausstellungen, Kunstmessen und Galerieausstellungen in New York, Nordamerika und im Ausland. Zu ihren besonderen Interessengebieten zählen Keramiktextilien, Volks- und Outsider-Kunst, Design und Videokunst. @robertasmithnyt

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