Wenn Ihnen das gefällt, probieren Sie es aus

Höhepunkte

Haben einige unserer beliebtesten Werke bei Ihnen Anklang gefunden? Möchten Sie weiter erkunden? Wenn ja, schlagen unsere Kuratoren gerne einige weniger bekannte Werke vor, von denen sie glauben, dass sie Ihnen gefallen könnten.

Amerikanische Gotik, eines der bekanntesten und am meisten parodierten Gemälde unserer Sammlung, präsentiert einen Blick auf das ländliche Amerika, der sowohl nostalgisch als auch ironisch ist.

Grant Woods Gemälde von zwei Iowanern, die vor einem alten Bauernhaus stehen, entstand zu einer Zeit, als das Land mitten in der Depression steckte und die Menschen das Landleben in Richtung Städte verließen. Es weckte das Gefühl, zu dem zurückkehren zu wollen, was viele Menschen für authentisch hielten Amerikanische Werte.

Kuratorin Sarah Kelly Oehler empfiehlt Strange Worlds von Todos Geller, ein Gemälde, das die komplexe Mischung aus Traditionen der Alten Welt und moderner Kultur einfängt, die damals in Städten wie Chicago vorherrschte. Ein ländliches, ein städtisches – es scheint, dass die beiden Gemälde nicht weiter voneinander entfernt sein könnten. Aber sie erinnern auch an das Leben in den Vereinigten Staaten zu dieser Zeit für die verschiedenen Bevölkerungsgruppen des Landes.

Todros Geller wanderte aus der Ukraine nach Kanada aus, nachdem er während der Pogrome von 1906 Zeuge von Massakern geworden war. Er kam 1916 nach Chicago, wo er sich an der School of the Art Institute einschrieb, und widmete seine Karriere anschließend der Schaffung von Kunst im Dienste der großen jüdischen Bevölkerung der Stadt Gemeinschaft, der er angehörte. Todros‘ Gemälde wurde zwei Jahre vor der amerikanischen Gotik gemalt und zeigt einen alten Mann mit langem Bart und traditioneller Kleidung, der vor einem Zeitungskiosk unter den El-Gleisen steht. Die hektische Bewegung der Stadtstraße hinter ihm wird durch die Art wirbelnder Kreise eingefangen, die der Künstler vielleicht in italienischen futuristischen Gemälden gesehen hat. Der Gesichtsausdruck des Mannes ist stoisch; Sein Blick blickt nach innen, während er inmitten der Menschenmenge und des Lärms steht. Dies ist wirklich eine Begegnung zweier seltsamer Welten.

Galerie 263

Nightlife ist eines von Motleys berühmtesten Gemälden und zeigt ein überfülltes Kabarett im Chicagoer South Side-Viertel Bronzeville.

Die dynamische Komposition, die intensive Beleuchtung und die gesteigerten Farben bringen die Lebendigkeit und Lebendigkeit junger, kultivierter Städter zum Ausdruck, die eine Nacht in der Stadt verbringen.

Kuratorin Sarah Kelly Oehler empfiehlt Twilight von Hale Woodruff, ein Gemälde, das einen Sonnenuntergang bietet, der in seiner visuellen Intensität der Innenwelt des Nachtlebens gleichkommt. Beide Künstler wandten sich lebendigen, kräftigen Farben zu, um pure Ausgelassenheit auszudrücken. Während Motley die leuchtenden Rosa- und Violetttöne des künstlichen Lichts malte, drückte Woodruff eine ähnliche Freude aus, die man in der Natur findet.

Die Kühnheit und Spontaneität von Twilight, die von kräftigen Streifen roter, rosa, blauer und grüner Pigmente dominiert wird, könnte es mit Werken postimpressionistischer Maler in Europa in Verbindung bringen, insbesondere mit den Fauves (französisch für „wilde Tiere“). Das Gemälde entstand jedoch weit entfernt von Paris, in Indianapolis, wo der Künstler beim örtlichen YMCA als freiberuflicher Illustrator arbeitete. Der gefeierte Autor der Harlem Renaissance, Alain Locke, lobte den jungen afroamerikanischen Künstler und sagte: „Mr. Woodruff malt Landschaften von Originalität“ mit einer „warmen Schönheit“ der Farben. Woodruffs dicker Farbauftrag erzeugt ein dichtes, wenn auch abwechslungsreiches Muster: Der kleine Hügel ist ein üppiger Teppich aus kurzen, schnellen Pinselstrichen, während lange, fließende Striche strahlenförmig von den Bäumen ausgehen und den blendenden Himmel am Ende des Tages definieren.

Galerie 271

Richard Hunt war von der Mythologie fasziniert und die Idee, einen Helden zu erschaffen, sei „wie eine Möglichkeit, in der Zeit sowohl rückwärts als auch vorwärts zu gehen“, sagte er.

Hunts abstrakte und doch wiedererkennbare Skulptur wurde 1958 kurz nach seinem Abschluss an der School of the Art Institute geschaffen und besteht aus Objekten, die auf Schrottplätzen und auf der Straße gefunden wurden – alte Rohre, Metallteile und Autoteile. Er wollte „einen Helden vorschlagen und keinen Helden machen“.

Kuratorin Robyn Farrell empfiehlt Sanctuary von Martin Puryear, ein skurriles und anspruchsvolles Werk, das die Sehnsucht nach Stabilität mit dem Bedürfnis nach Veränderung in Einklang bringt.

©Martin Puryear, mit freundlicher Genehmigung der Matthew Marks Gallery

Im Jahr 1977 zerstörte ein Brand einen großen Teil der Kunstwerke von Martin Puryear sowie viele seiner weltlichen Besitztümer. Das Ergebnis war, wie er es nannte, „eine Zeit der Trauer, auf die eine unglaubliche Leichtigkeit und Freiheit folgte“, und das Ereignis erwies sich als entscheidend für die Ausrichtung der späteren Arbeit des Künstlers. Ein Jahr später begann Puryear mit einer Reihe von Skulpturen rund um die Themen Bewegung und Schutz. Sanctuary verkörpert das, was er als „Mobilität mit einer Art Eskapismus, Überleben durch Flucht“ beschrieb. Die 25 Jahre nach Hunts Stahlkonstruktion entstandene Skulptur von Puryear vereint wilde Baumsetzlinge mit einem sorgfältig gestalteten Unterschlupf und zelebriert die Schönheit des Holzes sowohl in seinem natürlichen als auch in seinem raffinierten Zustand. Die Skulptur preist in ihrem scheinbaren Zustand der angehaltenen Bewegung die Freiheit des Stillstands.

Galerie 297

Georges Seurats pointillistisches Meisterwerk „A Sunday on La Grande Jatte – 1884“ fängt den Zeitgeist von Paris am Ende des 19. Jahrhunderts ein.

Der Künstler wandte sich vom Impressionismus ab und hatte kein Interesse daran, das Spiel von Licht und Farbe in einem bestimmten Moment festzuhalten. Seine Darstellung der Pariser in ihrer Freizeit wurde sorgfältig geplant und ausgeführt, wobei jede Figur deutlich und sorgfältig umrissen war und keine Gefahr bestand, mit der Landschaft zu verschmelzen.

Kuratorin Gloria Groom empfiehlt Ad Astra von Axeli Gallen-Kallela, ein Werk, das die Heimat des Künstlers, Finnland, ebenso deutlich einfängt wie La Grande Jatte Paris.

Wie viele junge Künstler ging Gallen-Kallela nach Paris, allerdings zu einer Zeit, als der Impressionismus im Niedergang begriffen war und er unter den Einfluss von Künstlern wie Seurat und Munch geriet. Inspiriert vom Symbolismus sowie einer avantgardistischen Jugendstilbewegung schuf der Künstler Ad Astra, was „zu den Sternen“ bedeutet. Das Gemälde, das an ein finnisches Volksmärchen erinnert, zeigt eine junge Frau, die im Wasser vor einem stilisierten Mond und Himmel steht. Ihre Pose ist förmlich, wie die einer von Seurats Parisern, obwohl ihre Augen und ihr Gesicht spezifisch und real sind. Für beide Künstler war die Idee der Rahmung wichtig. Seurat malte ein farbiges Band, um die Leinwand vom Rahmen zu trennen. Gallen-Kallela schuf ein schweres Altarbild, dessen Muster auf den geschnitzten Holztüren, das sich in den Haaren des jungen Mädchens widerspiegelt, auf die finnischen Wurzeln der Künstlerin verweist. Obwohl sie sich im Ton unterscheiden, sprechen beide Werke von einem überschwänglichen Geist, vielleicht von dem zweier Künstler, die, vielleicht unbewusst, versuchen, ihre nationalen Psychen einzufangen.

Galerie 246

Van Goghs Gesicht ist nicht nur so bekannt wie seine Kunst – es ist untrennbar mit ihr verbunden.

Van Gogh malte im Laufe seines Lebens mehr als 35 Selbstporträts; Dieses hier entstand in Paris unter dem Einfluss von Seurats Pointillismus. Die intensiven Farbtupfer ermöglichen es dem Künstler, sich auf sich selbst zu konzentrieren und dem Betrachter ein tiefes Gefühl für die Präsenz des Künstlers zu vermitteln.

Kuratorin Gloria Groom empfiehlt Woman at Her Toilette von Berthe Morisot, ein impressionistisches Werk, das ein intimes Porträt einer Frau bietet, ohne ihre Augen oder ihr Gesicht preiszugeben.

Wenn dieses Porträt von einem männlichen Künstler dieser Zeit gemalt würde, würde es wahrscheinlich eine schöne und erotisierte Frau darstellen. Morisot verweigert dem Betrachter diesen Zugang und konzentriert sich stattdessen auf einen Körper im Raum, eine Frau in ihrem Schlafzimmer. Wie bei Van Goghs Porträt geht es hier um Farbe auf der Leinwand, allerdings gibt es anstelle von Punkten kleine Farbwirbel, als ob sie mit einer Zentrifugalbewegung des Pinsels aufgetragen würden. So viel von der Szene löst sich auf und vermischt das Kleid der Frau mit ihrem Bett und ihrer Tapete, sogar mit ihrer Haut. Wo Van Gogh eine Stimmung des Trotzes und der Melancholie vermittelt, ist dies intim und introspektiv. Morisot schrieb ihren Namen auf den Rand des Spiegels, als wollte sie damit sagen, dass dies, auch wenn es sich um ein Spiegelbild von ihr handelte, die Privatsphäre und das Bedürfnis nach Einsamkeit respektierte.

Als vorübergehende Leihgabe

Das Bild der gepanzerten Figur auf einem gepanzerten Pferd erweckt das Gefühl, in eine Schlacht einzutreten, in der die Rüstung praktische, lebensrettende Zwecke erfüllt.

Diese kunstvoll aus Stahl geschmiedete Verbundpanzerung wurde fachmännisch zum Schutz gefertigt und erreicht ihre Schönheit eher durch die schlichte Eleganz ihrer strengen Linien und Formen als durch ihre Oberflächenverzierung.

Kurator Jonathan Tavares empfiehlt „Portions of a Field Armor“, das die Kunstfertigkeit und die dekorativen Verzierungen hervorhebt, die bei der Herstellung von Rüstungen für königliche Gönner zum Einsatz kamen.

Diese Halbrüstung wurde um 1588–90 vom deutschen Waffenschmied Jacob Halder hergestellt, der auf dem Gelände des Greenwich Palace außerhalb von London arbeitete. Es wurde für einen hochrangigen Adligen angefertigt und weist hübsch verzierte Ätz- und Vergoldungsbänder sowie eine Silhouette auf, die der modischen Kleidung des Tages nachempfunden ist. Die Form des Brustpanzers, breit an den Schultern, schmal an der Taille und am Bauch abgesenkt, imitiert den Peasecod-Schnitt (Erbsenschotenform) eines Herrenwamses aus derselben Zeit. Trotz der üppigen Verzierung und der übertriebenen Form war diese Rüstung für den Einsatz auf dem Schlachtfeld gedacht und hielt Musketenfeuer stand. Tatsächlich wurde es 1588 in Auftrag gegeben, genau zu dem Zeitpunkt, als England sich auf die Invasion der spanischen Armada vorbereitete. Für den vornehmen Adligen, der dieses Geschirr in Auftrag gab, war die Demonstration von Reichtum und Status ebenso wichtig wie der Schutz von Leib und Leben.

Galerie 239

In einer klassischen Pose dargestellt, mit nach unten gerichtetem Blick, sitzt dieser Buddha in der meditierenden Haltung von Padmasana oder Lotussitz, die Hände auf dem Schoß.

Das Bemerkenswerte an diesem monumentalen Buddha ist, dass er aus Granit gefertigt ist, der so schwer zu bearbeiten ist. Es schmückte einst eine Klosteranlage in der Nähe von Nagapattinam, einem der wenigen Orte, an denen der Buddhismus im 12. Jahrhundert in Indien noch blühte.

Kurator Madhuvanti Ghose empfiehlt diesen stehenden Buddha mit der linken Hand in der Geste des Schenkens, ebenfalls aus derselben Region.

Die Hafenstadt Nagapattinam in Südindien blühte während der Chola-Zeit auf, als Segelhändler zum Handel kamen und Mönche aus ganz Asien an Land gingen, um in den berühmten Klöstern zu studieren. Die Region ist weltweit vor allem für ihre wunderschönen buddhistischen, hinduistischen und jainistischen Bronzeskulpturen bekannt, insbesondere für kleinere und tragbarere Relikte, die von reisenden Pilgern mitgeführt werden konnten. Dieser Buddha steht mit meditativer Miene da, seine lotusförmigen Augen gesenkt und seine rechte Hand in der Geste der Beruhigung (abhayamudra), seine linke Hand in einer Geste des Schenkens (varadamudra). Die Löcher im rechteckigen Sockel weisen darauf hin, dass diese Bronze bei Prozessionen getragen wurde. Während der Buddhismus in Indien schließlich ausstarb, verbreitete er sich in ganz Asien – von Pakistan und Afghanistan über Tibet und China und von Südostasien bis Indonesien – und führte zu neuen Interpretationen und stilistischen Variationen.

Galerie 140