Die besten Stände bei 1

Bei ihrer zehnten Ausgabe in London präsentierten mehr als 50 Galerien der 1-54 Contemporary African Art Fair einige der überzeugendsten und innovativsten Kunstwerke von Künstlern aus Afrika und seiner Diaspora. In dieser sorgfältig kuratierten Ausstellung wird viel geboten, von einer Vielzahl figurativer Gemälde bis hin zu abstrakten Textilien auf Textilbasis, die die Grenzen der Skulptur sprengen.

Im Innenhof des königlichen Somerset House, der zur Messe führt, befindet sich eine bedeutende Installation von Grada Kilomba mit dem Titel O Barco (Das Boot). Mit 32 Metern soll das Werk die Größe des Laderaums eines historischen Sklavenschiffs nachbilden. Es besteht aus 140 verkohlten Holzstücken, wobei die Werke in der Mitte in Gold mit jeweils einer Zeile aus einem Gedicht von Kilomba eingraviert sind, das in mehrere Sprachen übersetzt wurde: die von versklavten Menschen (Yoruba, Kimbundu und Kreolisch). Cabo Verde) und diejenigen, die von der Sklaverei profitierten (Portugiesisch, Englisch und Arabisch). Ein Auszug aus dem Gedicht lautet: „Eine Vergessenheit, eine Wunde / eine Wunde, der Tod.“ Es ist ein eindrucksvolles Denkmal für alles, was die Sklaverei angerichtet hat, und dafür, wie ihre Nachwirkungen bis heute andauern.

Nachfolgend ein Blick auf die Besten der Messe bei 1-54.

Zum Gedenken an den 60. Jahrestag der algerischen Unabhängigkeit hat die algerisch-französische Künstlerin Isabelle D. ein neues Werkwerk geschaffen, das aufwendig gewebte und gestrickte Objekte zeigt, die zu dichten Kompositionen arrangiert sind.

Obwohl sie korallenartig wirken, handelt es sich bei den Werken um abstrahierte Landschaften, die sich mit den durch die Kolonisierung verursachten Verletzungen auseinandersetzen; B. hatte ihre Farbpalette sorgfältig ausgewählt, da sie oft mit der Färbung eines blauen Flecks in seinen verschiedenen Stadien von Lila über Blau und Grün bis hin zu Gelb korreliert.

An ihrem Stand zeigt die Londoner Galerie October eine Auswahl von vier Skulpturen des beninischen Künstlers Romuald Hazoumè, der auch Gegenstand einer Einzelausstellung in der Galerie ist. In beiden Ausstellungen sind Beispiele aus der für den Künstler typischen Serie „Masques Bidons“ (wiederverwendete Masken) zu sehen, die aus verschiedenen Fundstücken, vor allem Kanistern, geformt sind.

Obwohl diese markanten Skulpturen eindeutig auf afrikanische Masken anspielen sollen, weisen sie auch auf globale politische Bedenken hin, etwa auf den Transport von Benzin/Öl durch westafrikanische Länder wie Benin oder darauf, wie sich die Superreichen hinter Briefkastenfirmen verstecken, um ihr Vermögen zu horten, wie die Zeitschrift enthüllte Panama- und Pandora-Papiere.

In einer Erklärung fügt der Künstler hinzu, dass seine Masken „in keiner Weise mächtigen afrikanischen Masken ähneln, die für zeremonielle Zwecke verwendet werden. Während solche Artefakte als mysteriöse Machtobjekte existieren, stellt jede meiner „Masken“ eine reale Person dar, etwa einen korrupten Politiker , zum Beispiel.

An einer imposanten rot gestrichenen Wand hängt etwas mehr als die Hälfte der 90 Elemente, aus denen Epiphany (Indische Maske) des in Vancouver lebenden Künstlers Jan Wade besteht. 1997. Darin sind Dutzende unterschiedlich großer Kreuze zu sehen, die Fundstücke und Upcycling-Objekte kombinieren, die sie von verschiedenen Flohmärkten beschafft hat.

Diese Kreuze, die ihre eigene religiöse Erziehung mit Diaspora-Religionen wie Santeria verschmelzen, die sich auf afrikanische und südamerikanische Glaubensvorstellungen stützen, sind auffällig und viele sind auf subtile Weise ironisch und humorvoll. Auf einem, das mit floralen Elementen, Bildern von weißen Männern in Anzügen und Bildern von nackten Frauen geschmückt ist, steht: „Sex / diejenigen, die ohne Sünde sind, werfen den ersten Stein / Handel.“ Dieser Text besteht aus einer Kombination von Scrabble-Kacheln und goldenen Metallbuchstaben.

Der in Kapstadt lebende Künstler Chris Soal begann zunächst mit der Herstellung von Skulpturen, indem er Flaschenverschlüsse zusammenklebte, und verwendete dann Zahnstocher, die dabei halfen, die Struktur dieser ortsspezifischen Skulptur zu formen, die ebenfalls aus Stoff besteht.

Diese Skulptur ist organischer und geformter als seine früheren und biegt sich um einen Kaminsims in einem der Räume des Somerset House. Nachdem Soal diese Industriefaser mit einem Polyurethan-Dichtmittel versiegelt hat, versengt sie sie mit einer Lötlampe, wodurch eine Form entsteht, die wie eine verbrannte Tierhaut aussieht, obwohl sie hier von Menschen, darunter auch Soal, mehrfach bearbeitet wurde.

In einer atemberaubenden Installation präsentiert die britisch-nigerianische Künstlerin Sola Olulode einen Teil ihrer fortlaufenden „Bed Series“, in deren Mittelpunkt ein großes blaues Bett steht. Auf dem Kopfteil sind die Gesichter von vier schwarzen Frauen aufgemalt. Auf der Bettdecke und den Laken, die der Künstler von Hand in Indigo gefärbt hat, sind auch die Umrisse (in weißer Batiktechnik) zweier nebeneinander liegender Frauen abgebildet.

Olulodes Ziel mit der Arbeit ist zweierlei: eine Hommage an Textilien und die Traditionen des Handfärbens sowie eine Feier der queeren Liebe, insbesondere zwischen Frauen.

Der südafrikanische Künstler Sthenjwa Luthuli hat einen Hintergrund in der Druckgrafik, den er durch seine Zeit am BAT Centre for Visual Art in der Ostküstenstadt Durban genährt hat, wo er 2010 erstmals Unterricht nahm ein mühsamer Prozess, bei dem in das Holz geschnitten wird (umgekehrt), um ein Bild zu erstellen. Er erkannte bald, dass er diese holzgeschnitzten Objekte in eigene Werke umsetzen konnte, allerdings in einem viel größeren Maßstab.

Bei 1-54 zeigt der Künstler eine Reihe solcher handgeschnitzten Werke, die mit Emaillefarbe fertiggestellt werden und deren Fertigstellung oft Monate dauert. Vor reich strukturierten Farbmustern schweben kopflose Figuren im Raum und wirken, als würden sie tanzen. Für Luthuli stellen diese Figuren eine Verbindung zu seinen bekannten und unbekannten Vorfahren her, deren Geschichten aus der Geschichte verloren gegangen sind oder absichtlich gelöscht wurden.

Um diese skulpturalen Abstraktionen zu schaffen, sammelt der malische Künstler Ange Dakouo, der Anfang des Jahres auf der Documenta 15 zu sehen war, Pappe und Zeitungspapier und kreiert dann kleine gepolsterte Rechtecke, die an Amulette oder „Gris-Gris“ erinnern, die traditionell von Jägern getragen werden Mali. Anschließend färbt er das Gris-Gris in Rot, Weiß und mehr und näht sie von Hand zusammen, um elegante abstrakte Wandabstraktionen zu schaffen.

Damit versucht Dakouo, „ein harmonisches Universum zu schaffen, in dem die ‚Gris-Gris‘ Menschen repräsentieren, die sich gegenseitig beschützen sollen“, heißt es in einer Aussage des Künstlers.