Die besten Stände auf der FOG Design+Art Fair 2023 in San Francisco

FOG Design+Art feierte seine neunte Ausgabe und kehrte mit einer internationalen Liste von 48 Galerien, darunter langjährige Teilnehmer und Erstankömmlinge, in das Fort Mason Center for Arts and Culture in San Francisco zurück. Die Vorschaugala der Messe am Mittwochabend, die dem Bildungs- und Ausstellungsprogramm des San Francisco Museum of Modern Art zugute kam, lockte namhafte Gesichter wie die Kongressabgeordnete Nancy Pelosi, den Kurator Larry Ossei-Mensah und den Schauspieler Owen Wilson an.

Mit Schwerpunkt auf Gruppenpräsentationen boten die Aussteller den überfüllten Gängen der Sammler eine Vielzahl von Medien und Materialien. Da viele Stände mit Skulpturen, Fotografien, Assemblagen, Textilien, Arbeiten auf Papier und vielem mehr gefüllt waren, war es schwierig, Müdigkeit gegenüber figurativer Malerei oder Malerei im Allgemeinen zu verspüren, wie es in letzter Zeit auf Messen ein Trend war. Während einige Galerien die Arbeiten von New Yorks Kunstlieblingen präsentierten, entschieden sich einige Aussteller dafür, Legenden aus der Bay Area und vielversprechende lokale Künstler hervorzuheben, die allmählich größere Anerkennung fanden.

Nach dem ersten Tag hatten Blue-Chip-Unternehmen einige bemerkenswerte Verkäufe gemeldet, darunter Hauser & Wirth, der ein Gemälde von Pat Steir aus dem Jahr 2022 für 850.000 US-Dollar verkaufte, und die Gladstone Gallery, die Werke von Anicka Yi, Matthew Barney, Rirkrit Tiravanija und anderen verkaufte.

Nachfolgend ein Blick auf die besten Stände der Ausgabe 2023 von FOG Design+Art, die bis Sonntag, 22. Januar, läuft.

Die Arbeit des in Oakland ansässigen Raymond Saunders ist sofort an seinem Einzelstand zu erkennen, der gemeinsam von der New Yorker Andrew Kreps Gallery und der San Franciscos Casemore Gallery präsentiert wird. Mit dicken, gestischen Farbstrichen gepaart mit zarten und kaum sichtbaren Strichzeichnungen in Kreide sind Saunders Tafeloberflächen mit gefundenen Ephemera bedeckt, darunter Scherben von blau-weißem chinesischem Porzellan, einem handgeschriebenen Straßenflyer auf Spanisch, einem Deckchen und einem Brett aus Holz.

Ein Werk ohne Titel enthält sogar eine alte Seite aus einer chinesischen Zeitung mit einem Foto des ehemaligen Bürgermeisters von San Francisco, des verstorbenen (und umstrittenen) Ed Lee. Die unterschiedlichen, sich überschneidenden Materialien von Saunders zeugen vom interkulturellen Austausch, der die Geschichte geprägt hat und weiterhin das tägliche Leben prägt. Hier faszinieren seine großformatigen Mixed-Media-Stücke – alle um das Jahr 2000 – auch mehr als zwei Jahrzehnte nach ihrer Entstehung noch immer das Publikum.

Die Night Gallery in Los Angeles nimmt zum ersten Mal an FOG Design+Art teil und präsentiert neue Werke von Claire Tabouret und Nathan Thelen. Die Präsentation ist eine Hommage an die Künstlerin und Okkultistin Pamela Colman Smith aus dem frühen 20. Jahrhundert, deren Illustrationen auf dem Rider-Waite-Tarot-Deck erscheinen. In zwei Gemälden interpretiert Tabouret historische Fotografien von Smith in gestischen Streifen aus Erdtönen neu; im dritten Grün- und Blautöne.

An der angrenzenden Wand sind sechs Altäre für Smith angebracht – eine Zusammenarbeit zwischen den verheirateten Thelen und Tabouret. In Zusammenarbeit mit den historischen Judson Studios übersetzte Tabouret eine Reihe von Aquarellporträts von Smith in Glasmalereien. Eingerahmt von Thelens handgeschnitztem afrikanischen Mahagoni wird Smiths Gesicht von einer kleinen Votivkerze beleuchtet.

An Micki Mengs Stand lockt ein riesiger Pfirsich, der so verfault ist, dass er mit gelben, grünen und braunen schimmelartigen Warzen übersät ist. Die Steinzeugskulptur ist das Werk von Cathy Lu, einer Gewinnerin des SECA Art Award 2022, deren Arbeiten derzeit bis zum 29. Mai im SFMOMA zu sehen sind. Aus der Porzellanfrucht ragen Dutzende Räucherstäbchen heraus. Auch wenn es nicht angezündet ist, reicht die reine Menge an Weihrauch aus, um einen subtilen Duft zu verströmen.

Ein weiteres Highlight in der Gruppenpräsentation sind Heesoo Kwons Lentikular-Leuchtkästen aus ihrer Fotoserie „Premolt“ aus dem Jahr 2019. Kwon manipuliert alte Familienfotos und fügt geisterhafte 3D-Modelle ihrer weiblichen Vorfahren in das Bild ein. Die Erscheinungen erscheinen nackt, um die weibliche Befreiung darzustellen, und haben entweder lebensechte „gelbe Haut“, wie die Künstlerin es beschrieb, oder Schlangenhaut, nachdem sie sich in ihre neue Form verwandelt haben.

Korrektur: In einer früheren Version dieses Artikels wurde die Galerie fälschlicherweise mit ihrem früheren Namen bezeichnet; Es ist Micki Meng, nicht Friends Indeed.

Fast eine ganze Wand des Standes von Ratio 3 aus San Francisco und Nonaka Hill aus Los Angeles nehmen Reihen individuell gerahmter Polaroidfotos von Daido Moriyama und Nobuyoshi Araki ein. Die dargestellten Szenen wirken mediengetreu – flüchtig, intim und unmöglich nachzubilden. Die alltäglichen Momente vermitteln eine bestimmte Zeit und einen bestimmten Ort, der bereits vergangen ist und vom umgebenden, verschwommenen Licht der Erinnerung durchdrungen ist.

Dieses Gefühl der Nostalgie setzt sich am anderen Ende des Standes in Ulala Imais Gemälde eines Teddybären fort. In einem karierten Bademantel gekleidet, steht das Plüschtier allein auf einem felsigen Gelände, im Hintergrund grünes Unterholz. In der ruhigen Szene wirkt das Stofftier fast lebendig, als würde es für ein Foto posieren und nicht während eines Familienausflugs vergessen und in der Natur verloren.

Am Stand von Gallery Fumi ist im wahrsten Sinne des Wortes überall eine handwerkliche Note zu spüren. Hände sind ein Schlüsselmotiv und erscheinen in den Steinzeuggefäßen von Glithero (der kreativen Partnerschaft von Sarah van Gameren und Tim Simpson), einer skulpturalen Konsole von Casey McCafferty und den figurativen Skulpturen von Saelia Aparicio.

Organische, aus Eichenholz geschnitzte Formen finden sich in der gesamten Präsentation wieder. „Comparing Conditions Oak“ (2021) von Maria Bruun und Anne Dorthe Vester beispielsweise bietet ein elegant schlichtes Design mit sanften Kurven, die die Jahresringe des Holzmaterials nachahmen. Francesco Perini entscheidet sich auch für ein minimalistisches Finish bei Casamona (Eiche, Marmor Verde Guatemala), 2022. Auf der länglichen Tischplatte sind Linien aus eingebettetem grünem Marmor angebracht, die frei in verschiedene Richtungen nach außen strahlen und so an die Schönheit der Unvollkommenheiten der Natur erinnern.

Jessica Silvermans Gruppenpräsentation „Elsewhere Over the Rainbow“ vereint langjährige Galeriekünstler wie Judy Chicago und Woody De Othello mit neuen Gesichtern, darunter Loie Hollowell und Chelsea Ryoko Wong, die beide vor weniger als einem Jahr in die Galerie aufgenommen wurden. Chicagos Werke treffen bei FOG Design+Art ein, nachdem das New Museum angekündigt hat, im Herbst die erste New Yorker Museumsübersicht über die Werke des Künstlers zu veranstalten.

Eine Harmonie der Farben lenkt den Blick von Chicagos azurblauer und magentafarbener Queen Victoria (2022), einem handbemalten Buntglas- und Leuchtkasten, bis hin zu Othellos blau-grüner Keramikskulptur, die wunderbar mit dem aquamarinblauen Meer mit Farbverlauf und dem vielfarbigen Sonnenuntergang von Wong's Mussel harmoniert Rock mit Freunden (2022). Davina Semos runder Acrylspiegel hingegen entspricht den bauchigen Formen von Hollowells Arbeiten auf Papier und absorbiert und reflektiert Hollowells burgunderrote und goldene Farbpalette.

In einer Ecke von David Zwirners Stand waren die beigefarbenen Arbeiten von Yayoi Kusama und Ruth Asawa versteckt. Im Gegensatz zu den verspielten, farbenfrohen Punkten, die Kusamas aktuelle Zusammenarbeit mit Louis Vuitton bevölkern, können sich Besucher hier mit den eher gedämpften Aspekten der umfangreichen Praxis des Künstlers auseinandersetzen. Ihr monochromatisches Gemälde aus der langjährigen „Infinity-Nets“-Serie lädt den Betrachter dazu ein, sich stattdessen in Textur und Form zu vertiefen.

An der angrenzenden Wand hängen zwei zarte Tuschegemälde auf Papier des verstorbenen Asawa, einer vor Ort und international beliebten Persönlichkeit aus der Bay Area. Die sorgfältig komponierten Stücke stellen Asawas meisterhaften Umgang mit Material dar und zeigen in einem Werk eine kurz geschnittene Kiefer und in einem anderen Petunien, die hinter einer Muschel blühen. Von der sorgfältigen Darstellung der Kiefernnadeln bis hin zu den dünnen Falten der Petunien wirkt die akribische Liebe zum Detail des Künstlers eher fließend als mühsam.

Sechs neue Gemälde der in Moskau geborenen und in New York lebenden Malerin Sanya Kantarovsky belegen den gesamten Stand von Luhring Augustine. Ihre malerischen Oberflächen sind voller Angst und Unruhe – deren Ursache unbekannt ist. In Maria Magdalena (2022) beispielsweise lässt eine Frau den Kopf nach unten hängen, das Gesicht ist violett. Ihr ungepflegtes Haar ist in lockeren, gestischen Pinselstrichen dunkelbrauner Farbe dargestellt.

Begleitet wird dieser religiöse Bezug von einer kunsthistorischen Anspielung. Auf einem Gemälde neigen sich ein Mann und eine Frau zu einem Kuss und schweben in dem Moment, kurz bevor sich ihre Lippen berühren. Die scharfe Neigung des Kopfes der Frau erinnert an die Pose in Edvard Munchs „Der Kuss“ (1897), in der ein in leidenschaftlicher Umarmung versunkenes Paar dargestellt ist, dessen Gesichter zur reinen Abstraktion verschwimmen. Kantarovskys Szene wird durch den Titel „Mama's Man“ (2022) komplizierter, was darauf hindeutet, dass die Zuschauer möglicherweise Zeuge eines beunruhigenderen Moments zwischen Mutter und Sohn werden.

An den Wänden des Standes von Salon 94 Design hängen Fotografien von Kwame Brathwaite und Gemälde der australischen indigenen Künstler Yukultji Napangati und Warlimpirrnga Tjapaltjarri. Brathwaites strahlende Bilder schwarzer Frauen aus den 1960er und 1970er Jahren definierten und machten die „Black is Beautiful“-Bewegung populär. Salon 94 Design bietet der Bay Area eine weitere Gelegenheit, sich mit Brathwaites Werk vertraut zu machen, falls die Besucher die Einzelausstellung des Fotografen im Museum of the African Diaspora verpasst haben, die im Dezember 2019 eröffnet wurde und ihre Ausstellung kurz vor den stadtweiten Lockdowns im März 2020 beendete.

Unterdessen stellen Napangatis Gemälde eine damals aufkeimende Initiative dar, die in den 1990er Jahren von Pintupi-Künstlerinnen geleitet wurde, um unabhängig von ihren männlichen Familienmitgliedern Kunst zu schaffen. Als Teil der australischen Western Desert Art Movement ist Napangati von Erinnerungen an Vorfahren geprägt, die mit dem Land verbunden sind. Ihre wellenförmigen, abstrakten Kompositionen sind Studien in Farbe und Bewegung. Mit ähnlich energiegeladenen Oberflächen malt Tjapaltjarri, der zufällig Napangatis Bruder ist, optische Umgebungen, die sich in hypnotisierenden Wirbeln wellenförmig bewegen.

In der Gruppenpräsentation von Matthew Marks trifft die Arbeit des zeitgenössischen Kunststars Simone Leigh auf die von Joan Brown aus der Bay Area Figurative Movement der Mitte des 20. Jahrhunderts. Leighs hellrosa Steinzeugskulptur aus dem Jahr 2020 mit dem Titel „Stretch (Erbium)“ zeigt die abstrahierte Figur einer schwarzen Frau im charakteristischen Stil des Künstlers. Nachdem Leigh den Goldenen Löwen für die beste Teilnahme an der Hauptausstellung der Biennale von Venedig 2022 erhalten hat, wird sie im April dieses Jahres ihre erste umfassende Übersichtsausstellung im Institute of Contemporary Art in Boston veranstalten.

In der Nähe dienen Browns Stücke aus den frühen 70er-Jahren ebenfalls als Vorgeschmack auf eine große Museumsausstellung. Die beiden Arbeiten auf Papier verkörpern die spielerische Figuration des verstorbenen Künstlers und ergänzen angemessen die jahrzehntelange Sammlung von Browns Gemälden und Skulpturen, die bis zum 12. März im SFMOMA zu sehen ist.