Salon Art+Design bringt Zuhause und Kunst näher zusammen

Werbung

Unterstützt durch

Kunstkritik

Mit der Ausstellung von Wandteppichen und Schmuck im Park Avenue Armory in Manhattan lässt Sie die Messe die Grenzen zwischen Kunst und Design in Frage stellen.

Schicken Sie jedem Freund eine Geschichte

Als Abonnent haben Sie 10 Geschenkartikel jeden Monat zu geben. Jeder kann lesen, was Sie teilen.

By Martha Schwendener

Die Salon Art + Design präsentiert sich in diesem Jahr internationaler und gewinnt Aussteller aus dem Ausland zurück, die während der Pandemie nicht oder nur ungern reisen konnten. Aber das Zuhause steht immer noch im Mittelpunkt dieser jährlichen Messe im Park Avenue Armory in Manhattan: nicht nur isoliert ausgestellte Kunst- und Designobjekte, sondern die Vorstellung, wie sie zusammenleben, wie sie einen Raum bewohnen und wie Sie – oder ein Tagträumer – es könnten Machen Sie es sich mit Ihren Möbeln, Wandteppichen, Schmuckstücken und Kuriositäten gemütlich.

Die hier ausgestellten Objekte umfassen Jahrtausende – von etwa 5.000 v. Chr. bis zur Gegenwart – sowie weite Kulturen und Kontinente. Zweiundfünfzig Aussteller und 11 Sonderinstallationen (hauptsächlich im Flur vor der höhlenartigen Bohrhalle) tendieren stärker zum Design als in den Vorjahren, aber die Messe lässt Sie die Grenzen zwischen Kunst und Design in Frage stellen. Warum tragen Sie nicht Ihre Kunst? Warum nicht darauf sitzen? Hier sind einige Highlights der Messe, deren Vorschau am Donnerstag stattfindet und die von Freitag bis Montag stattfindet.

Wandteppiche gibt es hier überall. Im Allgemeinen sind sie wie ein Gemälde gewebt und an der Wand aufgehängt. Einige der hier gezeigten Beispiele wurden von Malern und andere von Künstlern entworfen, die sich der Faser- und Textilkunst verschrieben haben. Eines der herausragenden Stücke ist ein Wandteppich von Vasily Kandinsky im Boccara (Stand D10), der nach einem Gemälde aus den frühen 1940er Jahren entstand und 1944 angefertigt wurde. Die Komposition erinnert an andere späte, verspielte Werke von Kandinsky, die kürzlich im Boccara zu sehen waren aufschlussreiche Guggenheim-Ausstellung seiner Arbeit. Boccara zeigt außerdem drei farbenfrohe Wandteppiche, die von der in der Ukraine geborenen modernen Meisterin Sonia Delaunay entworfen wurden. Wexler (Stand B3) hat einen Wandteppich von Jan Yoors, einem belgisch-amerikanischen Künstler, der die Wandteppiche gewebt hat (oder, um genauer zu sein, seine beiden Frauen halfen bei der Ausführung seiner Entwürfe; ein aktueller Artikel des New York Magazine über das Haus des Künstlers in Greenwich Village). erzählte die Geschichte seines unkonventionellen Lebens und seiner unkonventionellen Kunst).

Bei Magen H (Stand A12) wurde ein wunderschöner cremebeiger Wandteppich – oder „Teppichskulptur“ – aus dem Jahr 1977 von Nicole Noailles Lascaux hergestellt, indem die Wolle geschabt wurde, um ein strukturiertes Relief zu erzeugen. Unterdessen ist bei Friedman Benda (Stand B1) Misha Kahns verspielter, humorvoller Wandteppich mit geschwungenen Formen zu sehen, die bewusst Pasta nachahmen – der Titel der Arbeit lautet „Spaghettification: Tested by Throwing Against Wall“ (2020). Diese werden neben einigen bemerkenswerten Keramik-„Porträts“ des nigerianischen Künstlers Ebitenyefa Baralaye ausgestellt, die schwarze Gesichtszüge hervorheben oder würdigen – darunter auch die von Menschen, die ihm nahe stehen, wie seinem Vater.

Wenn Sie Mineralien erkunden möchten, die wie Skulpturen ausgestellt sind, können Sie dies bei Wilensky in einer Flurgalerie außerhalb der Hauptgruppe der Messestände tun. Wenn Sie jedoch von Künstlern entworfenen Schmuck sehen möchten, der kürzlich in New York versteigert wurde, gehen Sie zum Londoner Händler Didier am südlichen Ende des Flurs. Didier zeigt Schmuck für Familie, Liebhaber oder Freunde von Picasso, Niki de Saint Phalle, Man Ray, Salvador Dalí, Alberto Giacometti, Wifredo Lam und Meret Oppenheim. Wie aus dieser kunsthistorischen Liste hervorgeht, tendiert der Schmuck zum Surrealistischen. Ein gutes Beispiel ist eine von Max Ernst entworfene riesige goldene Kugelfischkette, die um den Hals getragen werden konnte.

Hier gibt es viele schöne Möbel, aber einige der Gegenstände, die meine Aufmerksamkeit erregten, waren etwas seltsamer. Direkt auf der Messe hat Bernard Goldberg Fine Arts (Stand D1) ein riesiges Buntglasfenster entdeckt, das Nicola D'Ascenzo Ende der 1920er Jahre für ein Horn & Hardart-Restaurant entworfen und hergestellt hat – eigentlich ein Automat in der Innenstadt von Philadelphia. Im Gegensatz zu Buntglasfenstern in einer Kirche – oder den eher skulpturalen Arbeiten von Zeitgenossen wie Louis Comfort Tiffany oder John La Farge – verfügt D'Ascenzos Fenster über klare Scheiben, durch die man hindurchschauen kann, und betont auf moderne Weise seine Flachheit. Bei R & Company (Stand D23) am Ende der Bohrhalle hat Serban Ionescu eine architektonische Torheit geschaffen, die er „Tower For an Hour“ nennt. Die hohe grüne Stahlkonstruktion, die in seiner Werkstatt in Red Hook, Brooklyn, hergestellt wurde, erinnert an alles, von antiken Ofenschornsteinen bis hin zu Möbeln der Memphis Group aus den 1980er Jahren. Es lehnt sich auch an Jean Prouvés Idee des „zerlegbaren Hauses“ an: eine kleine Behausung für Menschen, die nach dem Zweiten Weltkrieg vertrieben wurden und leicht zusammengebaut oder „abgebaut“ und bewegt werden kann.

Ich zögere, antike und sogenannte ethnografische Artefakte hervorzuheben, angesichts der Kämpfe, die um den Besitz und die Rückführung von Objekten in ihre Herkunftsländer toben. Die Kunsthändler auf dieser Messe sind offensichtlich in diese Debatten verwickelt und haben diese Angelegenheit gerne (zuvorkommend?) mit mir besprochen. Bei Phoenix Ancient Art (Stand B9) hat Hicham Aboutaam, dessen Vater die Galerie 1968 gründete, eine umwerfende Ausstellung von Büsten aufgebaut, die eine Reihe von Gesichtern aus der ganzen Welt hervorheben, darunter griechische, etruskische, südarabische (jemenitische), Zypriotische und afrikanische Skulpturenköpfe. Dies führt auch zu dem Argument, dass Diversität in der Antike genauso ein heißes Thema war wie heute. Phoenix zeigt außerdem eine kleine, leuchtende kykladische Fruchtbarkeitsfigur aus Marmor aus der Zeit um 2.500 v. Chr., deren Arme über ihrem schwangeren Bauch verschränkt sind. Pace African and Oceanic Art (Stand B5) zeigt außerdem eine Sammlung von Köpfen – eigentlich Masken – aus verschiedenen Kulturen. Bei Ariadne (Stand C1) nimmt eine antike griechische Terrakotta-Aphrodite aus dem 3. oder 2. Jahrhundert v. Chr., die sich früher im Antikenmuseum Basel befand, eine schüchterne Haltung ein, die als „Venus pudica“-Pose bekannt ist. Wer würde sich nicht ein wenig entblößt fühlen, wenn er direkt an der Park Avenue steht und die Messebesucher begrüßt?

Salonkunst + Design

Bis Montag, Park Avenue Armory, 643 Park Avenue, Manhattan; thesalonny.com

Werbung